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Isabelle Jean, cette artiste « crinquée* » comme elle aime à se définir, est née en 1979 au Saguenay – Lac – St Jean dans la province du Québec. Elle avoue qu’elle a toujours été artiste et cela depuis l’enfance. Bricolage, dessin, coloriage, célébration des fêtes et des anniversaires sont les éléments qui façonnent la jeunesse d’Isabelle. Pourtant, elle enfouit cette créativité au fond d’elle-même et bascule à la fin de ses études générales dans un métier à l’opposé de l’explosion des couleurs et du travail de la matière : la technique policière. Une fois ses études terminées, elle entre dans la Marine Royale Canadienne, où elle intègre la police militaire et assure la sécurité de la base aérienne de Bagotville.

Afin de casser un peu cette image sérieuse, mais surtout parce qu’elle est comme ça, Isabelle profite de ce poste pour créer une série d’événements amusants afin de faire passer auprès des jeunes publics des messages plus sérieux comme les règles de sécurité à vélo, ou les potentialités d’enlèvements lorsque l’on est seul dans la rue. Elle reste à ce poste entre 2006 et 2011. En parallèle, elle occupe également les postes d’instructeur, de recruteur, de manœuvre sur les navires de défenses côtières (navires de guerre) et de frégate. Elle quitte la Marine Royale Canadienne avec les honneurs après 21 ans de service.

Née à Copenhague, Elizabeth est danoise par sa mère et de père aux racines multiples, chiliennes, anglaises et danoises. Et tel qu’elle aime le dire, elle passe son enfance dans une valise entre le Danemark, la Suisse et Monaco. Son enfance est riche d’expériences sensorielles : grâce à ses parents, elle découvre très tôt le ballet, l’opéra, les concerts et les musées. A Madrid, ce sont les après-midis au musée du Prado : les salles sombres, les toiles sanguinolentes aux têtes coupées, aux yeux exorbités et aux poitrines transpercées. Tout cet univers dramatique que l’on retrouve notamment chez Velázquez, effraye la petite fille qu’elle est au point de ne plus dormir. A Paris, elle assiste à de nombreux défilés de Haute Couture avec sa maman. Afin de parfaire son éduction, Elizabeth est envoyée dans plusieurs pensionnats ou chacun d’eux lui laisse des traces.  Celui de Lausanne lui permet de pratiquer le sport et celui de Paris est l’occasion de nouvelles découvertes muséales. Toute cette éducation tournée vers la culture lui a permis de nourrir son esprit, de capter la beauté du monde et d’admirer les plus belles œuvres de l’histoire de l’art comme les Nymphéas de Monet.

I AM Magazine célèbre son cinquième anniversaire cette année. Cinq années durant lesquelles nous avons parlé de vous, de vos réussites, de vos expositions. A l'occasion de cet anniversaire, un espace sera entièrement consacré à notre magazine, lors du salon Art 3F de Monaco entre le 19 et le 21 septembre 2025. Le salon se tiendra aux espaces Fontvieille, à côté du stade Rainier II.

Pour ceux qui ne le connaissent pas, et pour vous présenter notre magazine, un document a été créé spécialement pour cette occasion, document que vous pouvez découvrir ci-dessous. Il est également disponible en anglais pour nos amis anglophones.
Nous restons à votre disposition pour toute question.
Nous vous souhaitons bonne lecture !!

Ces premières œuvres sont intitulées Défi à mon impatience, soit des successions de points blancs, noirs, rouges ou gris, alignés en lignes parfaitement droite. Cette volonté de maîtriser cette technique lui a permis de comprendre que la peinture a besoin de temps. Il n’est l’expression que de sa volonté, et non pas du rêve. Peu à peu d’autres sujets apparaissent : des personnages, des visages, des arbres, des animaux. Les premiers sujets figuratifs sont pour certains liés à sa culture comme les Masta Boys, les Papous Boys ou sont une évocation de la famille comme Les Retrouvailles présentant une série de visages réunis en cercle et tournés vers le ciel. L’arbre apparaît rapidement dans la peinture de Sylvana. Symbole de la vie et de l’élégance, l’arbre est l’équilibre, le lien entre le ciel et la terre. Souvent les racines sont présentées étalées de part et d’autre du tronc, évoquant ainsi un infini. L’arbre de vie, Lollipop ou l’arbre à sucettes, l’arbre aux enfants sont quelques-unes de ces créations. Sylvana y revient toujours puisqu’elle y puise la source de sa créativité.

Son médium de prédilection est l’huile, mais Johanne aime la mélanger à l’acrylique. Elle a étudié dans plusieurs ateliers afin de peaufiner sa technique. Pour donner de la force à l’histoire qu’elle veut raconter, elle utilise la spatule, les pinceaux, les gels structurants. Son œuvre est le résultat de moments croqués sur le vif. Les paysages présents dans son œuvre, sont ceux du Québec, ils lui inspirent émerveillement grâce à leur richesse, leur beauté, leur diversité. L’impressionnisme reste sa principale source d’inspiration : elle éprouve une forte attirance pour les œuvres des peintres français Claude Monet et Berthe Morisot, mais aussi pour le peintre anglais William Turner. Ce qui l’attire tout particulièrement, ce sont la paix et la douceur qu’ils ont su instaurées dans certaines de leurs peintures. Leurs paysages sont colorés comme nous pouvons le voir aussi dans la peinture de Johanne. Elle a cherché à s’inspirer des ciels très intenses de Turner, ce qu’elle transpose dans l’Effet Rose ou Veille de Tempête. Elle tient aussi à souligner son intérêt tout particulier pour les danseuses de Degas : elle-même danseuse, Johanne est fascinée par la capture de la pose, de l’instant où le corps se mure dans un mouvement. Elle y voit des œuvres remplies de force et de courage, faisant ainsi écho à son propre parcours d’artiste.

La composition de ses toiles, le choix de sa palette de couleurs et son souci du détail visent non seulement à redonner vie à une scène de la vie courante, mais aussi à éveiller tous les sens de l’observateur.  La beauté et la quiétude des paysages constituent une source d’inspiration indéniable et en font son thème de prédilection. 

Her favorite medium is oil, but Johanne likes to mix it with acrylics. She has studied in several workshops to perfect her technique. To give strength to the story she wants to tell, she uses spatulas, brushes and structuring gels. Her work is the result of moments captured on the spot. The landscapes in her work are those of Quebec, inspiring her to marvel at their richness, beauty and diversity. Impressionism remains her main source of inspiration: she is strongly attracted to the works of French painters Claude Monet and Berthe Morisot, as well as the English painter William Turner. She is particularly drawn to the peace and gentleness they managed to create in some of their paintings. Their landscapes are colorful, as we can also see in Johanne's paintings. She was inspired by Turner's very intense skies, which she transposes in l'Effet Rose or Veille de Tempête. She is also particularly interested in Degas's dancers: a dancer herself, Johanne is fascinated by capturing the pose, the moment when the body is locked in movement. She sees them as works full of strength and courage, echoing her own journey as an artist.

The composition of her canvases, the choice of her color palette and her attention to detail aim not only to bring to life an everyday scene, but also to awaken all the senses of the observer.  The beauty and tranquility of landscapes are an undeniable source of inspiration and a favorite theme.

Daniel Hurwitz - Capturer l'instant (extrait)

C’est à 14 ans que Daniel découvre réellement la photographie : sa sœur reçoit un appareil photo pour son anniversaire et Daniel souhaite recevoir le même cadeau, soit un Olympus OM – 1 SR. “Le monde de la photographie s’est ouvert à moi, ma passion est née“. Mais avant de se lancer dans le monde de l’image, Daniel étudie le droit pénal, la gestion publique et le comportement humain à l’Université de Californie. Il travaille dans le monde du marketing et de la vente, ainsi que de la promotion immobilière. En parallèle, la photographie reste son violon d’Ingres et il poursuit les prises de vue au collège, au lycée puis à l’université.

C’est en 2003 que Daniel présente pour la première fois, son travail au public…. de Nouvelle-Zélande. Il y passe plusieurs années et y débute une collaboration avec la compagnie Yikes Production. Le but est alors de filmer les nombreuses activités proposées à tous les publics touristes et locaux : nager avec les dauphins, skier, faire du rafting, etc. Ce qui le conduit également à voyager et à filmer les expéditions de ski en Afrique, au Kazakhstan, et à découvrir les gorilles en Ouganda puis les orangs-outans de Sumatra. Chaque voyage est une occasion de photographier les paysages, les monuments, les animaux, de s’imprégner de ce que l’autre peut lui offrir.

Daniel Hurwitz - Knowing how to look (extract)

It was at the age of 14 that Daniel really discovered photography: his sister received a camera for her birthday, and Daniel wanted the same gift - an Olympus OM - 1 SR. "The world of photography opened up to me, and my passion was born. He took this photo at 15 in the Sinai Desert. But before entering the world of images, Daniel studied criminal law, public management and human behavior at the University of California, Irvine. He worked in the world of sales and marketing, as well as real estate development. At the same time, photography remained his violin d'Ingres, and he continued to shoot at college, high school and university.

In 2003, Daniel presented his work for the first time to the public.... in New Zealand. He spent several years there and founded the company Yikes Productions. The aim was to film the many activities on offer to tourists and locals alike: swimming with dolphins, skiing, rafting and so on. This also led him to travel and film ski expeditions in Africa and Kazakhstan, and to discover gorillas in Uganda and orangutans in Sumatra. Each trip is an opportunity to photograph landscapes, monuments and animals, to soak up what others have to offer.

Maggie Nimkin - A travers l'objectif, l'Art 

Maggie Nimkin est née en 1955 à New York, ville dans laquelle elle vit et travaille toujours aujourd’hui. Dans sa famille, son père lui transmettra sa fibre artistique : il est avocat mais il a mené de front une seconde carrière d’imprimeur, en se spécialisant durant près de 40 ans, dans les éditions d’art. La qualité de l’œuvre imprimée – que celle-ci soit une aquarelle, un dessin, une peinture – est toujours liée à la photographie et se doit d’être la plus proche de la réalité possible, la plus nette, la plus qualitative.

Maggie ne se destine pas de suite à la photographie, bien qu’elle se passionne pour cet art dès son plus jeune âge. Elle étudie à l’Université de Pennsylvanie (Philadelphie) les lettres classiques : la culture, les arts des périodes latine et grecque. Brillamment diplômée, sa culture antique lui permet de photographier les plus belles œuvres des collectionneurs, des vendeurs et de collaborer avec les plus importantes publications artistiques. Entre 1976 et 1984, grâce à sa connaissance de l'Antiquité, elle a été engagée chez Sotheby's, la maison internationale de vente aux enchères d'œuvres d'art, où elle a photographié de magnifiques œuvres d'art provenant de diverses cultures pour les publications de Sotheby's. Les compétences qu'elle a acquises chez Sotheby's ainsi que son expertise en matière d'éclairage des objets en trois dimensions lui ont permis de saisir les nuances de ces objets exceptionnels. La photographie s'est avérée être le langage parfait pour exprimer son vif intérêt et son appréciation pour ces œuvres d'art rares et de grande valeur.

Maggie Nimkin - Art through the lens

Maggie Nimkin was born in 1955 in New York City, where she still lives and works today. In her family, her father passed on his artistic talents: he was a lawyer, but he also pursued a second career as a printer, specializing for almost 40 years in art editions. The quality of a printed work - be it a watercolor, a drawing or a painting - is always linked to photography, and must be as close to reality as possible, as clear-cut and as qualitative as possible.

Maggie wasn’t immediately destined for photography, although she had a passion for the art from an early age. At the University of Pennsylvania (Philadelphia), she studied Classics: the culture and arts of the Latin and Greek periods. A brilliant graduate, with her knowledge of Antiquity, she was hired at Sotheby’s, the international art auction house where she photographed magnificent works of art from a variety of cultures for Sotheby’s publications. Between 1976 and 1984, The skills that she honed at Sotheby’s along with her expertise in lighting three dimensional objects enabled her to capture the nuance of these exceptional objects. Photography turned out to be the perfect language for her to express her keen interest and appreciation for these rare and highly valued works of art.

Ovila Huard - Retracer le lien

Elève brillant depuis l’enfance, Ovila réussit ses études secondaires mais ne se lance pas de suite dans l’aventure picturale. Il développe de nouveaux talents. Parmi ceux-ci, celui de la mode : il dessine et confectionne avec talent des collections de vêtements médiévaux vendus dans des chaînes de magasins spécialisés. Il met cette excellence et cette réussite au service des théâtres en réalisant leurs costumes, des jeunes étudiantes pour leurs bals de fin d’année, des futures mariées afin de réaliser la robe de leurs vies. Ce n’est pas s’en rappeler le parcours de Doris Bouffard, qui fut un temps, styliste avant de se lancer dans la sculpture. Parce qu’il aime également la musique, Ovila prépare et chorégraphie les défilés de fin d’année des diplômés de l’école de mode ; et plus tard sera aussi celui des ensembles chorégraphiques du Québec et des corps de tambours et de clairons durant près de trente ans. Cette polyvalence en touchant à tous les secteurs lui permet de pleinement se réaliser et de prendre confiance en lui.

Mais Ovila ne s’arrête pas là : il étudie l’infographie et termine ces études Major de promotion. A tel point doué et créatif, on lui propose d’enseigner cette matière, ce qu’il refuse préférant travailler d’abord afin de se sentir apte à enseigner. Est-ce que les vingt-cinq dernières années suffisent ? Apparemment toujours pas. Parce que grâce aux encouragements de l’homme qui partage sa vie, Ovila se lance dans la peinture. Enfin !!

Ovila Huard - Find the link

A brilliant student since childhood, Ovila succeeded in his secondary studies but did not immediately embark on a pictorial adventure. Instead, he developed new talents. One of these was fashion: he skillfully designed and produced collections of medieval garments sold in specialized chain stores. He puts this excellence and success to good use, designing costumes for theaters, students for their end-of-year balls, and brides-to-be to create the dress of a lifetime. It's not unlike Doris Bouffard, who was once a stylist before turning to sculpture. Because he also loves music, Ovila prepares and choreographs the end-of-year fashion shows for graduates of the fashion school, and later also for the Quebec choreographic ensembles and drum and bugle corps for almost thirty years. His versatility in all these areas has enabled him to develop his full potential and self-confidence.

But Ovila didn't stop there: he studied computer graphics, graduating top of his class. So gifted and creative was he that he was asked to teach the subject, which he refused, preferring to work first to feel fit to teach. Is the last twenty-five years enough? Apparently not. Thanks to the encouragement of the man who shares his life, Ovila takes up painting. Finally!

Dès lors, la création picturale est son exutoire. Jacqueline Morandini est une peintre abstraite et pour se définir, évoque souvent son mentor, Solange Bertrand (1913 – 2011). Cette peintre – graveuse – sculpteure, dont quelques œuvres sont dans les collections des musées de Nice et d’Antibes, a été nommée chevalier des Arts et Lettres. Maître de l’abstraction géométrique, elle fut proche de Matisse et de Picasso, au point de les rencontrer régulièrement dans sa maison du sud de la France (années 50). Elle partageait ainsi des tranches de vie personnelle et artistique au point qu’ils l’influencèrent profondément dans son propre travail. Grâce à eux, elle a cassé son bagage académique et a suivi le crédo de Matisse :  la ligne, rien que la ligne ! Tout comme elle s’est librement inspirée de la période bleue de Picasso : elle a repris le bleu dans sa propre peinture. Sa vie a été son œuvre. Femme de caractère, femme au fort tempérament, elle a transmis à Jacqueline son goût du travail acharné pour parvenir à ce qu’elle voulait construire et transmettre.

C’est ce qu’a retenu Jacqueline Morandini : ne rien lâcher et travailler encore et encore afin d’arriver à la pureté de l’œuvre. Elle a aussi retenu que le concept permet la construction d’une peinture, qu’il est vital de trouver l’idée de base. La progression est ainsi constante, sans échecs. L’idée met un certain temps à germer, puis à être transcrite sur la toile. Ainsi la construction mentale passe par l’écrit puis par le pinceau pour s’exprimer. Tous les outils de l’homme sont utilisés : la pensée, le toucher, l’écrit, le mouvement.

From then on, painting has been her outlet. Jacqueline Morandini is an abstract painter and, to define herself, often refers to her mentor, Solange Bertrand (1913 - 2011). This painter-engraver-sculptor, some of whose works are in the collections of the Nice and Antibes museums, has been awarded the Chevalier des Arts et Lettres. A master of geometric abstraction, she was close to Matisse and Picasso, to the point of meeting them regularly at her home in the South of France (1950s). In this way, she shared slices of her personal and artistic life to such an extent that they had a profound influence on her own work. Thanks to them, she broke with her academic baggage and followed Matisse's credo: the line, nothing but the line! Just as she was freely inspired by Picasso's blue period: she took up blue in her own painting. Her life was her work. A woman of strong character and temperament, she instilled in Jacqueline a taste for hard work to achieve what she wanted to build and pass on.

This was Jacqueline Morandini's lesson: never give up and work again and again to achieve the purity of the work. She has also learned that the concept is the building block of a painting, that it is vital to find the basic idea. Progress is thus constant, with no setbacks. It takes time for the idea to germinate, then to be transcribed onto canvas. In this way, mental construction is expressed through the written word, then the paintbrush. All human tools are used: thought, touch, writing and movement.

Suzanne ANAN, savoir créer sa propre voie 

Lorsque Suzanne évoque les artistes qui l’ont marqués, elle nomme Georgia O’Keeffe et Artemisia Gentileschi. Deux femmes aux tempéraments affirmés qui l’inspirent de bien des façons. Elle est fascinée par la force de caractère de l’italienne du XVIIe siècle, son audace à vouloir être peintre dans un domaine exclusivement masculin, son ambition à réussir, sa capacité à transformer la violence en réussite personnelle flamboyante. Pour Georgia O’Keeffe, c’est son travail sur le gros plan notamment qui a transformé la vision du monde de Suzanne. Cette réflexion a d’ailleurs été le sujet d’une douzaine de toiles, portant le titre de “Georgia“, évoquant des natures et exposées durant plusieurs années dans la section maternité d’un hôpital. Et la vie faisant bien les choses, Suzanne a passé un mois en résidence artistique au Ghost Ranch, le domaine privé de la peintre américaine en Arizona (2023). Georgia O’Keeffe a en effet, acheté cette vaste propriété en 1940 et en fait un lieu de ressourcement, de cicatrisation des blessures provoquées par les multiples infidélités de son mari, le photographe et galeriste, Alfred Stieglitz. Elle choisira de s’y retirer définitivement en 1949 et y travaille de façon frénétique, oubliant pistils, pétales et corolles en gros plan (symbole d’une sexualité assumée) au profit de squelettes d’animaux, de paysages désertiques, et de nouvelles teintes telles que l’ocre et le bleu.

When Suzanne talks about the artists who influenced her, she names Georgia O'Keeffe and Artemisia Gentileschi. Two women with assertive temperaments who inspire her in so many ways. She was fascinated by the strength of character of the 17th-century Italian, her audacity in wanting to be a painter in an exclusively male field, her ambition to succeed, her ability to transform violence into flamboyant personal achievement. For Georgia O'Keeffe, it was her work on close-ups that transformed Suzanne's vision of the world. In fact, this reflection was the subject of a dozen paintings bearing the title "Georgia", evoking natures and exhibited for several years in the maternity ward of a hospital. And as life goes on, Suzanne spent a month in artistic residency at Ghost Ranch, the American painter's private home in New Mexico nestled in 21,000 acres of mountains and desert. Georgia O'Keeffe bought this vast property in 1940 and used it as a place to recharge her batteries and heal the wounds caused by the multiple infidelities of her husband, photographer, and gallery owner Alfred Stieglitz. She chose to retire there permanently in 1949 and worked frantically, forgetting pistils, petals, and close-up corollas (symbols of an assumed sexuality) in favor of animal skeletons, desert landscapes and new hues such as ochre and blue.