expositions

Pour la première fois, le Musée National Marc Chagall consacre une exposition et une monographie complètes à la mosaïque, une facette majeure et pourtant méconnue de l'œuvre de l'artiste. Une exploration chronologique des 14 projets de Chagall est proposée, enrichie de documents inédits, de maquettes et de prêts exceptionnels. L'exposition est visible jusqu'aux Journées du Patrimoine en septembre 2025, avant de rejoindre Ravenne en octobre.

C'est en 1954, lors d'une visite à Ravenne, que Marc Chagall est fasciné par les mosaïques byzantines. Quatre ans plus tard, il transpose "Le Coq bleu" en tesselles, une commande du Gruppo Mosaicisti. Cette rencontre marque le début de son engagement dans cet art ancestral. En 1962, la rencontre avec Kadish Luz, président de la Knesset, mène à la commande monumentale de 1969 : "L'histoire du peuple juif" à Jérusalem, un ensemble de douze mosaïques de pavement et une grande murale. Le musée propose d'ailleurs de "marcher sur" des exemples de ces œuvres via des stickers au sol.

En France, la collaboration avec le mosaïste Lino Melano (recommandé par Severini) est déterminante. Pendant une décennie, ils créeront ensemble des pièces emblématiques comme "Le Grand Soleil" (offert à son épouse), l'imposant "Ulysse" pour la faculté de droit de Nice, ou "La mythologie Orphée".

À 80 ans, Chagall enrichit son musée avec la mosaïque du prophète Élie, une œuvre de plus de 7 mètres, reflétée dans le bassin. Inspirée des synagogues antiques et intégrant ses petites-filles jumelles, elle est un chef-d'œuvre de composition.

Avec Tharin, il réalise les "Amoureux de Vence" et une gigantesque mosaïque de 270 m² sur les quatre saisons pour une banque de Chicago, initialement refusée en façade. D'autres commandes d'envergure suivront, telles que "Le repas des Anges" pour la chapelle Sainte Roseline et "Moïse sauvé des eaux" à Vence, son dernier projet inauguré.

Même après sa disparition en 1985, son héritage mosaïque perdure : "Le Fleuve vert" est transposé par Heidi Milano à Saint-Paul-de-Vence, et des œuvres comme "Orphée" rejoignent des collections prestigieuses comme la National Gallery de Washington.

Une occasion unique de (re)découvrir le génie de Chagall, jusqu'aux Journées du Patrimoine en septembre 2025.

Malgré une connaissance tardive des lieux, Jean-Michel Othoniel a transformé la Malmaison en un écrin de poésie. Ses 92 œuvres, mélange de verre soufflé, d'inox poli et de feuilles d'or, sont un vibrant hommage à l'or, à la lumière et à la Méditerranée.

L'or, pour Othoniel, est une résonance cosmique, fruit de supernovæ. Les fleurs, inspirées du jardin de sa grand-mère, se muent en boutons de rose stylisés, lotus et Passiflora aux cœurs d'améthyste, incarnant son désir d'intégrer le beau et le merveilleux, car l'art peut "sauver le monde".

L'eau sculpte l'espace : reflets au rez-de-chaussée, fontaines de verre bleu à l'étage, créant un dialogue enchanteur avec la mer et le ciel. Un jeu de miroirs et de perspectives transforme chaque salle en une expérience sensorielle unique, où même les parterres de briques vertes prennent des allures de vagues.

En extérieur, ses œuvres dialoguent avec le réel, comme au Château de Versailles. Son projet pour le bosquet du Théâtre d'eau, sélectionné parmi 140 propositions, recrée un espace où l'eau et l'art s'entremêlent, inspirant même le ballet "O'de" de Benjamin Millepied.

Enfin, les "Wonder Blocks" du dernier étage explorent l'abstraction et le minimalisme, prolongeant sa quête de lumière et de transparence. Une autre facette de son travail sera à découvrir dès août au Palais des Papes à Avignon, avec 290 œuvres et un ballet chorégraphié par Carolyn Carlson.

"Poussière d'étoile" à la Malmaison, jusqu'au 4 janvier 2026.

L'exposition qui s'est déroulée entre le 11 et le 15 décembre 2024 pour la section photographie, a vu quatre photographes distingués par le jury invité de la Nationale et par le grand photographe français, Jean Larivière. Ce dernier a travaillé avec les plus grands du Luxe dont Louis Vuitton et Cartier.
Le jury invité était composé de la galeriste Lou Dong, la fondatrice Eskuart Virginie Echard, le designer Antony Guerrée, le président de Gondishapour et la collectionneuse Claire Levy Lelouch.

En 2023, le jury de la Nationale des beaux-arts a remis une médaille d'or au photographe américain, Daniel Hurwitz. Cette année encore, il a reçu une médaille de bronze du jury invité. Cette reconnaissance a été remise à la magnifique photo de son grand-père, assis sur la terrasse, lisant. 
Tout comme Daniel, Dawn Watson avait également été récompensée par une médaille de bronze du jury invité en 2023. Cette année, elle s'est vu remettre le Prix Fantastique du photographe Jean Larivière. 
Maggie Nimkin a reçu deux récompenses : une médaille d'or du jury invité et le premier prix de la part de Jean Larivière. 
Enfin, la jeune photographe Cynthia Fuller a reçu le prix Coup de coeur - Jean Larivière. 

The exhibition, which ran from December 11 to 15, 2024 for the photography section, saw four photographers singled out by the Nationale's guest jury and the great French photographer, Jean Larivière. Larivière has worked with some of the biggest names in luxury goods, including Louis Vuitton and Cartier.
The guest jury included gallery owner Lou Dong, Eskuart founder Virginie Echard, designer Antony Guerrée, president of Gondishapour and collector Claire Levy Lelouch.

In 2023, the National Fine Arts jury awarded a gold medal to American photographer Daniel Hurwitz. Again this year, he received a bronze medal from the guest jury and a “coup de coeur” award from Jean Larivière. Both awards were presented to the magnificent photo of his grandfather, sitting on the terrace, reading. 
Like Daniel, Dawn Watson was also awarded a Guest Jury Bronze Medal in 2023. This year, she was awarded the Prix Fantastique by photographer Jean Larivière. 
Maggie Nimkin received two awards: a gold medal from the guest jury and first prize from Jean Larivière. 
Finally, young photographer Cynthia Fuller received the Coup de coeur - Jean Larivière award. 

Suquet des artistes
Jusqu'au 28 avril. 

Installé dans l’ancienne morgue de la ville de Cannes, le Suquet des Artistes accueille la peintre française Barbara Navi. Diplômée en philosophie ainsi que de l’Ecole Boulle**, l’artiste nous offre un voyage au sein de son monde onirique. Une trentaine d’œuvres est présentée, un merveilleux mélange entre dernières créations et réalisations spécifiques pour le Suquet des Artistes.

Ces œuvres, qu’il nous faut découvrir en deux temps , de loin pour mieux les appréhender dans leur ensemble et de près pour en découvrir les détails, sont des paysages de rêves associant mythes et philosophie. C’est un univers familier qu’elle peint puisqu’elle puise son inspiration dans les textes bibliques tel la Passion du Christ ou de la tour de Babel, ou bien encore les histoires mythiques de Pégase, Léda ou de Goliath.

Sur ces toiles, les personnages sont de taille différente et ils cohabitent dans un univers coloré, riche et varié. Certaines créatures menaçantes se mêlent à des personnes égarées, et l’ensemble est installé dans un monde contemporain, un monde proche du nôtre, un monde tourmenté, difficile, en perpétuel évolution. A signaler qu’il n’y a ni contexte géographique ni contexte historique afin, que nous spectateurs, puissions laisser libre court à notre propre imagination. Et pour accompagner cette déambulation, de la musique classique qui nous permet de nous immerger plus encore dans cet univers mêlant peinture et cinéma.

*Vers issus d’un poème de Gérard de Nerval, Aurélia
**l’Ecole Boulle est née en 1886 et propose un enseignement pour les futurs professionnels de l’ameublement (tapissiers, sculpteurs sur bois, ébénistes, menuisiers en siège). Depuis quelques années, cet enseignement a été renforcé par des métiers complémentaires comme les ciseleurs, les monteurs de bronze, ou encore les graveurs sur acier.

Housed in the former Cannes morgue, Le Suquet des Artistes welcomes French painter Barbara Navi. A graduate of philosophy and the Ecole Boulle**, the artist takes us on a journey into her dreamlike world. Some thirty works are on display, a wonderful mix of recent creations and works created specifically for Le Suquet des Artistes.

These works, which we need to discover in two stages, from afar to better apprehend them as a whole, and up close to discover the details, are dreamscapes combining myth and philosophy. She paints a familiar universe, drawing her inspiration from biblical texts such as the Passion of Christ or the Tower of Babel, or the mythical stories of Pegasus, Leda or Goliath.

On these canvases, the characters vary in size and cohabit in a colorful, rich and varied universe. Some menacing creatures mingle with lost people, and the whole is set in a contemporary world, a world close to our own, a tormented, difficult world in perpetual evolution. It should be noted that there is no geographical or historical context, so that we, the spectators, can give free rein to our own imagination. And to accompany this stroll, classical music allows us to immerse ourselves even further in this universe blending painting and cinema.

*Verses from Gérard de Nerval's poem, Aurélia
 **The Ecole Boulle was founded in 1886 to train future furniture professionals (upholsterers, woodcarvers, cabinetmakers, seat joiners). In recent years, this training has been reinforced by the addition of complementary trades such as chiselers, bronze fitters and steel engravers.

En ce début d'année 2024, Facec International sera présent au salon Art Capital - Grand Palais Ephémère, avec deux peintres canadiens, Audrey Traini et Ovila Huard et trois photographes américains, Dawn Watson, Maggie Nimkin et Daniel Hurwitz. 

Nous exposerons dans la section Salon des Indépendants qui fête cette année son 140e anniversaire. L'association a été créé en 1884 par un groupe d'artistes souhaitant pouvoir exposer plus librement. Un premier salon est organisé en mai par le groupe des Indépendants avec un certain succès public et critique. De grands noms de la peinture y participent comme Georges Seurat, Odilon Redon, Paul Signac mais aussi des peintres inconnus et plutôt médiocres. Ce salon est un échec. Sous l'égide d'Odilon Redon, un nouveau groupe se réunit et l'assemblée général dite de la fondation a lieu le 4 juin 1884. 39 ans plus tard l'association du salon des indépendants est reconnue d'utilité publique (30 mars 1923).

Retrouvez nous en B8 intérieur. 

Cannes remonte le temps à travers l’objectif de la famille Séeberger et retourne à la période insouciante des années 30. Cette famille franco-bavaroise compte cinq fils habitués de notre ville et de la Côte d’Azur. C’est sous l’impulsion de l’aîné, Jules, que leur entreprise de photographie voit le jour en 1909. Il venait alors de recevoir pour un des ses anniversaires, son premier appareil photo. Ce qui n’était qu’un passe-temps devient un métier et le goût de la photographie sera transmis à Louis et Henry, décédés respectivement en 1946 et 1956. Très vite, tout le monde s’en mêle : mère, sœur, épouse, enfants, participent à cette entreprise tant les commandes se multiplient. Publicités, cartes postales, fêtes, haute société, tout est élégance et le reflet d’une époque qui retrouve sa joie de vivre et son insouciance.

Les archives municipales vous invitent à découvrir les photographie de cette discrète famille qui a su capturer des instants de vie, des portraits de personnalités venant régulièrement retrouver la douceur de vivre de la vie cannoise. A découvrir jusqu’au 8 juin 2024.

Le peintre Belge est mis à l’honneur au Musée Picasso d’Antibes jusqu’au 7 janvier 2024. Formé au design, Yves Zurstrassen se définit malgré tout, comme un peintre autodidacte. Alors à la croisée des chemins il évoque deux chocs visuels pour définir son travail : la ligne de Jackson Pollock et la couleur de Wilhem de Kooning. Dès lors, à 23 ans, il décide de peindre l’abstraction.

Il fait le choix de répéter le motif et de fonctionner par séries : il colle des motifs découpés dans des feuilles épaisses, travaille par pochoirs qu’il créé lui-même, il pose des éléments, recule, revient pour décoller ou non ce qu’il vient de faire. Grâce à son atelier de Bruxelles, spacieux, avec une coursive à l’étage, lui permettant de voir ce qu’il peint, est baigné, grâce à une verrière, par la lumière laiteuse du Nord. Même s’il contrôle ce qu’il peint, sa gestuelle est libre, et liée à la musique, souvent du jazz ou la musique répétitive de Steve Reich, qu’il écoute lorsqu’il travaille.

Ce mélange se retrouve par exemple, dans la toile dite 13.03.12, qui mêle le travail au pochoir (il sait où il va) à un travail du geste laissé libre. Et de loin, sous le travail au pochoir, l’on distingue des visages, notamment celui de Pablo Picasso.

Travailleur rigoureux, il est à son atelier de 7h à 19h. Il cherche surtout l’intemporalité, il peut créer une œuvre, la laisser murir, y revenir, ou la détruire. Afin de laisser la lecture pleine et entière au spectateur, il ne signe pas sur la page. A noter une utilisation subtile de la couleur, permettant ainsi de mieux appréhender les séries de bleu, de rouge, de jaune et d’orange, ces derniers notamment attrapent le regard, créent de la profondeur malgré les aplats. Ce chaos organisé est une ballade esthétique dans un univers abstrait maîtrisé.

Le Musée de l’Orangerie s’attache à nous faire découvrir la relation professionnelle entretenue entre le peintre italien Amedeo Modigliani et son marchand, Paul Guillaume. Le peintre est installé à Paris depuis 1906 et grâce Paul Guillaume, sa carrière va connaître un certain succès. Leur histoire va durer 6 ans, entre 1914 et 1920, année du décès du peintre.

En 1906, Amedeo Modigliani s’installe à Paris. Il rencontre trois ans plus tard, un autre artiste exilé, le sculpteur roumain Constantin Brancusi. Modigliani s’initie à la sculpture et s’y consacre presque exclusivement jusqu’en 1914. Et de façon tout aussi brutale, il reprend la peinture de 1914 à 1920, produisant de nombreux œuvres, essentiellement des portraits. C’est le cœur de cette exposition qui présente les cinq peintures conservées au Musée de l’Orangerie, ainsi qu’une centaine de toiles, une dizaine de sculptures, et une cinquantaine de dessins.

C’est grâce au poète Max Jacob, que Modigliani rencontre en 1914, Paul Guillaume. Ce dernier débute en tant que marchand et pour soutenir la production de Modigliani, lui loue un atelier à Montmartre. Durant les deux années qui suivent, quatre portraits du mécène sont réalisés (1915-1916). Ce sont d’ailleurs deux d’entre eux qui débutent cette exposition : on y découvre un jeune homme, âgé de 23 ans, élégant, sûr de lui, regardant droit dans les yeux le spectateur.

Et l’on découvre l’intérêt particulier de Modigliani pour les arts africains. En effet, le peintre s’intéresse aux cultures anciennes, notamment l’art grec que l’on retrouve dans les sculptures telles que La Tête, librement inspirée de l’art cycladique. Mais aussi à l’art africain qu’il étudie depuis 1909 lorsqu’il le découvre au Musée Ethnographique de Paris. Il rejoint en cela son marchand qui mêle dans sa galerie, Art Premiers (africains et océaniens) et Art Moderne. Pour montrer cette influence, des statues issues des cultures Kota ou Fang sont mises en parallèle de portraits réalisés par Modigliani.

Les salles suivantes sont richement dotées de portraits d’intimes comme les femmes qui ont partagées la vie du peintre : l’écrivain britannique Béatrice Hastings, la femme de son deuxième marchand, Hanka Zborowska ou sa dernière compagne et mère de son unique enfant, Jeanne Hébuterne. A leurs côtés des portraits de femmes et d’hommes tels que Le jeune Apprenti, Jeune fille brune assise ou bien encore L’enfant gras. Enfin, afin de montrer tout l’intérêt de Modigliani pour la littérature, on découvre les portraits de Jean Cocteau, Guillaume Apollinaire ou Max Jacob ou d’artistes comme celui de Moise Kisling.

Enfin un point important de cette exposition : la diffusion de l’œuvre de l’artiste par Paul Guillaume. A noter que toutes les œuvres présentées ont un rapport étroit avec ce dernier, qu’elles lui aient appartenu, aient été vendues par lui ou aient été commentées dans sa revue Les Arts à Paris. Grâce à cette collaboration Modigliani a été introduit sur le marché français et américain, même après sa mort en 1920, et cela jusqu’au décès de Paul Guillaume en 1934.

Une exposition importante permettant d’appréhender la relation entre deux hommes passionnés.
Musée de l’Orangerie
Jardin des Tuileries
Paris 1^er

Amedeo Modigliani, un peintre et son marchand
Exposition jusqu’au 15 janvier 2024.

Trois longues années ont été nécessaires au Musée National d’Art Moderne afin de réunir plus de 200 œuvres, certaines inédites car en collections privées, afin de nous offrir une nouvelle rétrospective de l’œuvre de l’exilé russe, naturalisé français, Nicolas de Staël (la dernière datait de 2003). En quinze ans, il produit 1100 peintures et tout autant de dessins.

Souvent présenté comme un beau visage, Nicolas de Staël, de son nom complet Nicolas Vladimirovitch Staël von Holstein, né en janvier 1914, est surtout un grand peintre de l’abstraction et de la figuration. Après la fin du régime tsariste en 1917, la mort de son père en 1921, puis sa mère en 1922, il est envoyé, avec ces deux sœurs Olga et Marina, à Bruxelles, chez Emmanuel Fricero qui les élèvera. C’est après avoir découvert les peintres hollandais aux Pays-Bas, que Nicolas de Staël s’inscrit à l’Académie des Beaux-arts de Saint-Gilles-Lez-Bruxelles ainsi qu’à l’Académie royale des Beaux-arts. Sa vie est une succession de souffrances, de luttes, de recherches et de découvertes, de réussites, notamment dans les dernières années de sa vie. Malgré les succès, son épouse et ses quatre enfants, Nicolas de Staël se suicide en se jetant du haut des remparts d’Antibes à l’âge de 41 ans (1955).

Pour cette rétrospective, les commissaires d’exposition ont choisi de revenir à l’essentiel : la peinture. A cela s’ajoutent certains aspects moins connus de de Staël : le dessin et les œuvres figuratives que l’on découvre dans les premières salles, notamment des portraits de femmes, des études de bateaux et Le Pont de Bercy, une huile sur toile totalement figurative datant de 1939.  Par la suite, l’abstraction prend le pas et le découpage des salles montre bien cette évolution et sa réflexion continue concernant la peinture. Si ses premières toiles sont difficiles, et que le spectateur doit se les approprier car elles sont souvent sombres, découpées, les dernières sont lumineuses, colorées. Celles-ci sont des paysages, des natures-mortes, et ces œuvres sont éblouissantes de beauté et de vie. Elles sont inspirées de ces nombreux voyages en Italie mais aussi de son installation dans le sud de la France.

Sa réussite tardive notamment avec son entrée dans les collections du Musée National d’Art Moderne de Paris, du MoMA de New York, ou bien la multiplication des expositions, le propulse comme une figure importante de la nouvelle génération des artistes peintres. Ses recherches et évolutions successives témoignent d’une quête picturale continue, d’une rare intensité, et d’une puissance toujours d’actualité aujourd’hui. A voir absolument.

L’exposition se poursuit jusqu’au 21 janvier 2024.
Musée National d’Art Moderne – 11 avenue du Président Wilson – Paris 16^e
www.mam.paris.fr

Sous l’impulsion de David Lisnard, la Mairie de Cannes, dans le cadre de sa programmation estivale, organise depuis 2015 le Musée Éphémère du Cinéma. Cet événement culturel incontournable de l’été revient dans le Hall Méditerranée du Palais des Festivals et des Congrès pour sa huitième édition, du mardi 11 juillet au dimanche 27 août 2023.

Ouvert à tous, ce musée temporaire imaginé par la municipalité cannoise est entièrement dédié à l’univers du 7e art. Il présente cette année une exposition consacrée à une icône du cinéma français : Romy Schneider.
« Romy Schneider, l’exposition » dévoile comment la petite fiancée autrichienne est devenue une icône du cinéma français, à la fois solaire et proche, bien décidée à s’émanciper de Sissi, multipliant choix audacieux et collaborations avec les plus grands : Luchino Visconti, Orson Welles, Otto Preminger, Alain Cavalier, Henri Georges Clouzot, Joseph Losey, Claude Sautet, Costa-Gavras, Claude Chabrol, etc.
Costumes, affiches, photographies, rares archives, interviews et extraits de films racontent cette quête de travail et de liberté qui a fait de Romy Schneider une actrice en majesté, en qui toutes et tous aiment se projeter et se reconnaître.

En marge de cette exposition, la Mairie de Cannes propose :

• Les ateliers du Musée Ephémère en partenariat avec l’association Cannes Cinéma
• Une exposition de photographies réalisées par la famille cannoise Traverso intitulée « Romy Schneider, un mythe éternel à Cannes ».